Ένας
διαφορετικός τραγουδιστής, ένα διαφορετικό άλμπουμ — κι ας αφήσουμε προσωρινά
στην άκρη όσα έχουμε στο μυαλό μας για τη φωνή του, τόσο με τους Reflection ή
οτιδήποτε άλλο έχει κάνει παλιότερα, όσο και τώρα με τους Achelous.
Μια
δουλειά φτιαγμένη με όρεξη και μια καλώς εννοούμενη νοσταλγία για τον μελωδικό
Hard ’N Heavy ήχο (έπος εδώ δεν έχει, τα ’παμε και καθαρίσαμε!), μέσα από έναν
προσωπικό δίσκο με όλη τη σημασία της φράσης.
Φίλοι
και συνεργάτες από… παντού και από όλες τις εποχές της παρουσίας του
συμπράττουν με τον Chris και, στο μπλέντερ των ιδεών, χωράνε υλικά από το Slide
It In και τους μετέπειτα Whitesnake, τα τρία πρώτα άλμπουμ των Bon Jovi, τους
Dokken — όχι μόνο λόγω τίτλου — ίσως και λίγοι Journey μέσα στη συνταγή, αλλά
και τα κλασικά των Y&T μέχρι το ’85. Όλα αυτά δένουν με ωραία πλήκτρα που
δεν κουράζουν και γενικά με εκείνο το παλιό, όμορφο ηχόχρωμα, δοσμένο όμως μέσα
από ένα σύγχρονο πρίσμα, με παραγωγή σημερινών προδιαγραφών και βεβαίως
κρυστάλλινο ήχο.
Είναι
ένα άλμπουμ για διασκέδαση; Ναι, είναι — και γιατί να μην είναι;
Αν
και μέχρι στιγμής παίζουν επαναληπτικά κυρίως το I’m Alive, που είναι και το
πιο «metal» κομμάτι του δίσκου, ξεχώρισα επίσης τα Breaking the Chains, Light
My Fire, Day in Your Hell και Strangers in Love, Electrified.
English:
He Did It Because He Felt Like It...
A different singer, a different album — and let’s put
aside for a moment whatever we may already have in mind about his voice,
whether from his days with Reflection and anything else he’s done in the past,
or now with Achelous.
This is a work made with genuine passion and a
well-intentioned sense of nostalgia for the melodic Hard ’N Heavy sound
(there’s no epic metal here — we already settled that!), delivered through a
deeply personal album in every sense of the phrase.
Friends and collaborators from… everywhere, and from
every chapter of his musical journey, join forces with Chris, and inside this
blender of ideas you’ll find ingredients drawn from Slide It In-era and later
Whitesnake, the first three Bon Jovi albums, Dokken — and not just because of
the title — maybe even a touch of Journey in the mix, along with the classic
Y&T sound up to around ’85. All of this comes together with tasteful
keyboards that never become tiring and, overall, that wonderfully old-school
sonic character, presented through a modern lens, backed by contemporary
production values and a crystal-clear sound.
Is this an album made purely for fun? Yes, it is — and
why shouldn’t it be?
Although I’m Alive — also the album’s most “metal”
track — has been on repeat the most so far, I also singled out Breaking the
Chains, Light My Fire, Day in Your Hell, and Strangers in Love, Electrified.
France continues to showcase one of the most
unconventional and inventive metal scenes in the world. French bands from this
scene often craft unique soundscapes, blending a diverse array of
elements—sometimes even contradictory—to fulfill their artistic visions. THE
BRIDAL PROCESSION exemplifies this approach, and their name alone hints at
something less overtly extreme than their actual sound.
Despite their moniker, the band’s music is
characterized by a formidable intensity, combining brutality with a nuanced
complexity. Their death metal is marked by sharp, incisive riffs and a solid,
concrete rhythm section that features frequent progressive cuts and tempo
shifts, demonstrating technical proficiency and compositional sophistication.
Interspersed within their aggressive framework are subtle black metal
influences, psychedelic keyboard textures, and occasional mesmerizing piano
passages, adding layers of atmospheric depth to their sound.
The vocalist delivers his performance with raw venom
and intensity, amplifying the visceral impact of their compositions. The
lyrical and emotional delivery complements their blend of classic brutal death
metal with more modern, innovative touches. The production quality is notably
clear, allowing listeners to discern every detail within the dense
arrangements—an essential feature given the complexity of their music.
Visually, the album’s cover art is striking and
intense, effectively reflecting the darkness and extremity inherent in the
band's musical ethos. It serves as a fitting visual counterpart to the sonic
experience, reinforcing the overarching themes of brutality and chaos.
In conclusion, THE BRIDAL PROCESSION offers a
compelling and multifaceted take on death metal, balancing brutality with experimental
elements. Their work is a testament to the innovative spirit of the French
scene, providing both intensity and complexity for listeners willing to immerse
themselves in their dark, intricate universe.
MEDUSA
'S WRATH, The Seventh Plague Of Babylon(2026)
Sleaszy Rider SRL
Άλμα
πίστης ή άλμα με τα μάτια κλειστά;
Είναι
μεγάλη χαρά να βλέπω ακόμη ένα νέο και ανερχόμενο σχήμα να ξεχωρίζει μέσα σε
τόσα άλλα, χάρη στη δουλειά του. Οι Αθηναίοι heavy metallers συνεχίζουν με το
δεύτερο ολοκληρωμένο άλμπουμ τους, αυτή τη φορά υπό τη στέγη της Sleazy Rider,
και όλα όσα θα διαβάσετε παρακάτω είναι κάτι παραπάνω από ενθαρρυντικά. Είναι η
αλήθεια που σχηματίζεται στο μυαλό μου ακούγοντας την επερχόμενη κυκλοφορία
τους. Ένα άλμα το περίμενα· όμως το πώς από το πρώτο σκαλί βρέθηκαν δύο ή τρία
πιο πάνω, πραγματικά δεν το κατάλαβα!
Η
σκληρή δουλειά της ανανεωμένης πεντάδας — των Πέτρου Καλύβα και Δημήτρη Ντόζη
στις κιθάρες, του Γιώργου Χρυσανθίδη στα φωνητικά, του Θοδωρή Δημητριάδη στα
τύμπανα και του νέου μπασίστα Γιάννη Ζαβραδινού, που αντικατέστησε τη Χριστίνα
Παφτίνου — απέδωσε σκοτεινούς μεταλλικούς καρπούς, και εξηγούμαι παρακάτω.
Η
συνεργασία τους στο ομότιτλο κομμάτι του δίσκου με τον Δημήτρη «Mutilator»
Πατσούρη των Yoth Iria — για τους οποίους επίσης υπάρχουν εξελίξεις, αλλά λίγη
υπομονή —, ιστορικό μέλος των Rotting Christ και Varathron, ο οποίος υπογράφει
τους στίχους, αποτελεί ένα από τα μεγάλα ατού της κυκλοφορίας. Όχι όμως το
μοναδικό.
Η
εισαγωγή που προηγείται των οκτώ κομματιών βρίσκει τη μυθική Μέδουσα — με τη
φωνή της Χριστίνας Παφτίνου για τελευταία φορά — να αφηγείται τη σκοτεινή
περιπλάνησή της στην Ανατολή, αφού στο ντεμπούτο τους τη συναντήσαμε στη Ρώμη,
μέσα σε κάποια αρένα.
Η
αρχή γίνεται ουσιαστικά με το ομότιτλο δεύτερο κομμάτι του άλμπουμ. Έχοντας ήδη
την πληροφορία για τον Mutilator, δεν μας ξενίζει η οριακά black metal αίσθηση
που αφήνει πίσω του. Πάνω σε αυτή τη βάση πατά η ανανέωση του ήχου των πέντε
μουσικών, οι οποίοι ορμούν προς τον ουρανό — ή ίσως προς την αντίθετη
κατεύθυνση, ανάλογα με το πώς το βλέπει κανείς — μέσα από πολύ πιο σκληρά riffs
και έναν καταιγιστικό ρυθμό.
Βρισκόμαστε
ήδη στο τρίτο κομμάτι, το Bless the Doomed, που θυμίζει περισσότερο τον γνώριμο
ήχο της μπάντας, μόνο που εδώ όλα αποδίδονται με περισσότερη οργή και έναν
άγριο καλπασμό στο τέμπο. Το Eternal, που ακολουθεί, είναι μάλλον το πιο
αγαπημένο μου κομμάτι του δίσκου. Η διπλή ερμηνεία του Γιώργου στην αρχή, αλλά
και η φωνητική όξυνση στη συνέχεια, το κάνουν να ακούγεται ευχάριστα
διαφορετικό.
Το
Shadows’ Dance, πέμπτο στη σειρά, αποτελεί ένα ονειρικό και μελωδικό ταξίδι,
κάπου ανάμεσα σε εφιάλτη και αφήγηση. Έκτο έρχεται το Breaking the Spell, με
μια ακόμη black metal εισαγωγή, αλλά με πιο έντονη U.S. Metal νοοτροπία όσο
εξελίσσεται. Πρόκειται για ένα κομμάτι που μάλλον θα αγαπηθεί ιδιαίτερα στις
ζωντανές εμφανίσεις τους.
Και
εδώ οφείλω να σταθώ στο We Cannot Breathe, το οποίο περίμενα με ιδιαίτερη
ανυπομονησία, έχοντας συζητήσει σχετικά με τον Πέτρο όσο ακόμη ετοίμαζαν το
άλμπουμ. Το τραγούδι σε
στίχους Χριστίνας Παφτίνου αναφέρεται ξεκάθαρα στο σιδηροδρομικό έγκλημα των Τεμπών
και στην προσπάθεια συγκάλυψης των αιτιών και των υπευθύνων του, σχεδόν τρία
χρόνια μετά την τραγωδία. Εδώ η οργή ξεχειλίζει δικαιολογημένα, αναμεμειγμένη
με συγκίνηση, μέσα σε έναν speed/power metal τυφώνα.
Το
Lament of the Serpent είναι το όγδοο κομμάτι, και πραγματικά αναρωτιέμαι: ποιος
άκουγε Judas Priest όταν γραφόταν αυτό το τραγούδι, κύριοι;
Τέλος,
το Where the Sorrow Resides ξαφνιάζει ελαφρώς με την εκφορά των στίχων από τον
Γιώργο, λειτουργώντας ως ένα μικρό, πιο μοντέρνο φινάλε για έναν δίσκο που
αξίζει άνετα να αγγίξει το εννιάρι.
Η
συνολική προσπάθεια της μπάντας, όπως και η παραγωγή και η μίξη του Naderius
στο Symbolic P Studio, όπου πραγματοποιήθηκε όλη η δουλειά, αξίζουν με το
παραπάνω την αναγνώριση.
English:
Leap of Faith or Leap with Eyes Shut?
It is always a great pleasure to see yet another young
and rising band stand out among so many others through sheer hard work. The
Athenian heavy metallers return with their second full-length album, this time
under the banner of Sleazy Rider, and everything you are about to read below is
more than encouraging. It is simply the truth taking shape in my mind as I
listen to their upcoming release. I expected a leap forward, of course — but
how they managed to climb two or three steps higher from the very first stair
is something I genuinely did not see coming.
The hard work of this renewed five-piece — Petros
Kalyvas and Dimitris Dotzis on guitars, Giorgos Chrysanthidis on vocals,
Thodoris Dimitriadis on drums, and new bassist Giannis Zavradinos, who replaced
Christina Paftinou — has borne dark metallic fruit, and I will explain why
below.
Their collaboration on the album’s title track with
Dimitris “Mutilator” Patsouris of Yoth Iria — for whom there are also
developments coming, but patience for now — the historic former member of
Rotting Christ and Varathron, who also penned the lyrics, is one of this
release’s greatest strengths. But certainly not the only one.
The intro preceding the album’s eight tracks finds the
mythical Medusa — voiced for the final time by Christina Paftinou — narrating
her dark wandering through the East, whereas in their debut we encountered her
in Rome, somewhere inside an arena.
The real beginning comes with the album’s self-titled
second track. Knowing Mutilator’s involvement beforehand, the almost black
metal aura surrounding the song comes as no surprise. Upon that foundation, the
band’s renewed sound takes shape as the five musicians charge toward the
heavens — or perhaps in the opposite direction, depending on how one sees it —
through far heavier riffs and a relentless rhythmic assault.
We already arrive at the third track, Bless the
Doomed, which feels closer to the band’s familiar sound, only now everything is
delivered with far greater anger and a savage gallop in tempo. Eternal, which
follows, is probably my personal favorite on the album. Giorgos’ layered vocal
delivery in the beginning, followed by the harsher escalation later on, gives
the track a pleasantly distinctive character.
Fifth in line, Shadows’ Dance is a dreamy and melodic
journey somewhere between nightmare and storytelling. Sixth comes Breaking the
Spell, opening once more with black metal tendencies but gradually unfolding
into something far more rooted in U.S. Metal mentality. This is most likely a
song that audiences will grow particularly fond of in a live setting.
And here I must especially mention We Cannot Breathe,
a song I had been eagerly anticipating ever since discussing it with Petros
while the band was still preparing the album. The track with lyrics by Christina Paftinou deals explicitly with
the Tempi railway tragedy and the ongoing attempt to cover up both its causes
and those responsible for it, nearly three years after the disaster. Here, rage
rightfully overflows, intertwined with emotion inside a raging speed/power
metal whirlwind.
Lament of the Serpent is the eighth track, and I
honestly have to ask: which one of you gentlemen had been listening to Judas
Priest while writing this song?
Finally, Where the Sorrow Resides surprises slightly
through Giorgos’ vocal phrasing, functioning as a small yet more modern closing
statement to an album that comfortably deserves to reach a solid nine out of
ten.
The band’s overall effort — along with the production
and mixing by Naderius at Symbolic P Studio, where the entire work was crafted
— deserves recognition and praise well beyond the ordinary.
Australian progressive metal outfit Pyrefly have
officially released their long‑awaited
debut album, Lost & Found, marking a powerful new era for a band that has
already lived through reinvention, tragedy, and rebirth.
Recorded in the band’s own home studio and
mixed/mastered by Justin Gonzales of PAL Studios, Lost & Found captures the
group’s sharpened identity — atmospheric, emotionally charged, and driven by
the kind of resilience that only comes from surviving the unexpected.
Είναι
η ολοκαίνουργια, δεύτερη πλήρης δουλειά της μπάντας από την Αθήνα. Ένα άλμπουμ
που ήδη από το εξώφυλλο ουρλιάζει το επίθετο «επικό» περίτρανα. Η μπάντα,
αποτελούμενη ιστορικά από τους Δημήτρη Γιαννακόπουλο, Γιάννη Βροντή, Θεόδωρο Κούγια, Ηλία Γερακάρη και Θανάση Βασσιλακόπουλο, παρότι έχει αρκετά χρόνια
πίσω της, εμφανίστηκε για πρώτη φορά με το ομώνυμο E.P. το 2016. Ακολούθησε το
πρώτο άλμπουμ Return to the Dark Age το 2021 και τώρα έχουμε στα χέρια μας μία
ακόμη φρέσκια δουλειά τους.
Καταρχάς,
πού ανήκουν; Το ύφος τους είναι ξεκάθαρα εστιασμένο στο κλασικό Heavy Metal, με
αρκετά θέματα επικής φαντασίας να στολίζουν στιχουργικά τη μουσική τους και σε
αυτόν τον δίσκο. Η παραγωγή είναι πιο κλασική — θα έλεγα σχεδόν 80s — με ήχο
καλό, που αναδεικνύει όχι μόνο τις επιρροές της μπάντας, αλλά και την
κατατάσσει στο ευρύτερο στυλ του νεότερου ελληνικού metal, το οποίο έχουμε δει
να κάνει θαύματα τα τελευταία χρόνια.
Το
απόλυτο υπέρ του δίσκου, πέρα από τη συνολική ποιότητα του υλικού, είναι η
σωστή αναλογία κομματιών και συνολικής διάρκειας. Οχτώ τραγούδια κάτω της μίας
ώρας είναι το προσωπικό μου κατώφλι ώστε να μη με κουράσει ένα άλμπουμ — και τα
παιδιά το πιάνουν με μεγάλη άνεση. Δεν προσπαθούν να αποφύγουν τα κλισέ του
ιδιώματος που εκπροσωπούν, αλλά τουλάχιστον τα χρησιμοποιούν με άνεση και χωρίς
να πλατιάζουν.
Έχουμελοιπόντα:
Warlords, Long Live the King, King of Steel, For the
Power and the Glory, Realm of Light, Battalion, Riders of Rohan, καιτοφινάλεμετοάνωτωνδέκαλεπτών The Noble.
Το
8/10 τοποθετεί αυτή τη δουλειά στα άλμπουμ που χαρίζουν απλόχερα μεταλλική
αναπτέρωση του ηθικού. Είναι σίγουρα κάτι νέο «από τα παλιά», που σε κάνει να
χαίρεσαι που το ακούς και που υπάρχει. Νομίζω πως, αν το ακούσετε, θα
κατανοήσετε απόλυτα τη λεκτική προσέγγισή μου.
English:
You look at it and you just know.
This is the brand‑new, second full‑length release from the Athens‑based band — an album whose cover alone screams the
word “epic” loud and clear. The band, historically consisting of Dimitris Giannakopoulos (Vocals), Giannis Vrontis
(Guitar), Teo Kougias (Guitar), Ilias Gerakaris (Bass), Thanasis
Vassilakopoulos (Drums), may have been around for quite a few years, but first
appeared officially with their self‑titled E.P. in 2016. Their debut album Return to the
Dark Age followed in 2021, and now we have another fresh work from them in our
hands.
First things first: where do they belong
stylistically? Their sound is firmly rooted in classic Heavy Metal, with plenty
of epic‑fantasy
themes once again adorning their lyrics. The production leans toward a more
traditional approach — I’d even say almost 80s — with a solid sound that not
only highlights the band’s influences but also places them comfortably within
the broader style of the newer Greek metal scene, which has been doing wonders
in recent years.
The album’s greatest strength, beyond the overall
quality of the material, is its balanced tracklist and total runtime. Eight
songs under an hour is my personal threshold for an album that won’t wear me out
— and the band hits that mark effortlessly. They don’t try to avoid the clichés
of the genre they represent, but at least they use them with ease and without
overstretching anything.
So, the tracklist includes:
Warlords, Long Live the King, King of Steel, For the
Power and the Glory, Realm of Light, Battalion, Riders of Rohan, and the ten‑plus‑minute
finale, The Noble.
A solid 8/10 places this release among those albums
that generously offer a much‑needed
boost of metal‑fueled
morale. It’s definitely something new from the old school — the kind of record
that makes you glad it exists and glad you’re listening to it. I think that
once you hear it, you’ll fully understand my choice of words.
KARNAK delivers a compelling blend of death grind
metal characterized by intense passion, energy, and dedication to their
distinctive sound. This album stands out notably for its innovative integration
of brutal death/grind compositions with majestic, atmospheric orchestral
tracks, exclusively performed with keyboards.
The harsh, visceral songs exude themes of sickness,
paranoia, and atrocity, effectively conveying a sense of chaos and dread. These
elements are complemented by the atmospheric pieces, which add a layer of
grandeur and depth to the overall experience, creating a stark contrast that
enhances the album’s impact.
KARNAK demonstrates impressive skill and originality,
successfully balancing raw brutality with atmospheric complexity. Their
musicianship is evident, and their creative approach results in a sound that is
both intense and thought-provoking.
Overall, this album is a noteworthy contribution to
the genre, showcasing a band that is committed to pushing boundaries and
exploring new sonic territories. Well done!
In 1988, Metallica released …And Justice for All, an
album boiling with anger toward power, corruption, and class hypocrisy. The
title track was not just a thrash outburst; it was a political indictment. It
spoke of a Justice system that is not blind but bought and sold — a system
where “money talks” and the powerful decide who gets crushed beneath the
“hammer of justice.”
The “halls of justice painted green” were not poetic
exaggeration. They were an image of decay: an institution supposedly built to
serve equality, yet in practice serving money. Justice is portrayed as
violated, lost, manipulated. There is no truth — only victory, domination, and
power.
At the time, Metallica gave voice to a generation
watching institutions operate one way for the rich and another for everyone
else. That is precisely why the song endured: because the feeling that justice
can be bought never really disappeared.
The
irony of today: when the message becomes the product
Four decades later, there is an irony impossible to
ignore. The very band that once denounced the power of money has become one of
the most lucrative music brands in the world.
In Athens in 2026, VIP packages reached prices
completely detached from the reality of the average fan. Thousands of euros for
exclusive platforms, Snake Pit access, meet-and-greets, lounges, and privileges
that turn a concert into a class-based experience.
And that is where the real issue lies: not that
Metallica make money — but that inequality itself becomes the norm.
Because who are you really honoring in the end? The
fan who sacrifices from what little they have, finding a way to buy a ticket
despite barely making ends meet? Or the one who can afford to pay thousands
just to stand a few meters closer?
It was working-class fans who made them legends. Those
were the people who stood by them before VIP packages, lounges, and corporate
sponsors existed. Yet today, those same people are pushed to the back rows —
not because they love the music any less, but because they cannot afford the
privilege.
That is not a heavy metal ethos. It does not honor the
history of the genre. And it certainly does not honor Metallica’s own history.
Heavy
metal was not built on privilege
Heavy metal was born out of factories, poor neighborhoods,
and people who had nothing except their anger and their music. It was not born
to divide people into “premium” and “basic.” It was not born to place barriers
in front of the stage.
And in the end, Metallica do not need oversized
productions to prove anything. A stage and their songs are enough to set the
world on fire. They have done it dozens of times. They know it themselves.
The
real question
The issue is not whether Metallica “betrayed” their
lyrics. The question runs deeper:
Can anyone truly remain outside the system they
condemn once they themselves rise to the top of it?
Perhaps that is the greatest irony of …And Justice for
All: that it remains relevant not only because it describes the system, but
because it reveals how easily even its critics can eventually become absorbed
by it.